Reflejos: Terror eficaz

No soy yo de las que las películas de miedo le dan miedo. Más bien suelen provocarme risa. O indiferencia. La sensación de estar perdiendo el tiempo viendo algo que respecta las convenciones del género y que sabes cuándo va a asustarte, porque todos sabemos que en el pasillo no hay nada y que cuando quien sea llegue a la habitación la puerta se va a cerrar con un sonoro golpe… Eso tan manido a muchos les sigue funcionando pero a mi me aburre. Por eso cuando llegó hace años una película japonesa titulada “The ring”, que no seguía las líneas narrativas occidentales, logró que me sintiera incómoda en la butaca del cine donde la veía y que aún se la tenga guardada a su director.
Pero en el fondo eso es lo que quiero. Al menos yo. Porque en general, al público, si le propones ver una cinta que de verdad dé miedo no quiere ir, porque lo da. Es incomprensible que la mayoría diga lo mucho que le gustan estas pelis pero que antes una realmente buena se acobarden y pasen. Entonces no les recomiendo que vean “Reflejos”, porque a lo mejor no es la más grande cinta de terror jamás rodada, pero como tal funciona mucho mejor que la mayoría. Y es que, no en vano, hablamos de un remake de otra película asiática.
En líneas generales trata de un hombre que comienza a trabajar como vigilante nocturno de un edificio abandonado desde que hace cinco años lo destruyera un enorme incendio y nadie lo haya querido restaurar. En sí misma es una premisa ridícula. ¿Un vigilante nocturno en un sitio abandonado? Pues te lo crees. Te parece de lo más normal. Los ruidos, los gritos, las huellas de las manos en los espejos… nada sugiere que el personaje de Kiefer Sutherland esté trabajando en un sitio acogedor. Pero todo es soportable hasta que esos contactos con los fallecidos en el incendio empiezan a tener manifestaciones fuera del edificio y en la gente que rodea al vigilante.
Alexandre Aja es un realizador muy conocido del género y venerado por muchos aficionados. Su remake de “Las colinas tienen ojos” se sigue recordando como un hito y aunque a mi no me emocione ni la salude como gran película porque de hecho me pareció una más, sí es cierto que por ésta le doy una nota más que aceptable. La atmósfera que le otorga al edificio, la poca tregua que le da al terror en la primera parte de la cinta, el desasosiego que transmite con la familia reflejada en los espejos son muestras de que Aja sabe lo que hace y cómo lograr que no quieras volver a lavarte los dientes.
La segunda parte de la película, lo que es la investigación propiamente dicha… ¿de qué? Ya lo veréis. Pues esa segunda parte ya es más habitual, y ahí es donde Aja pierde un poco el pulso. Se adentra ya en terrenos donde otras pisaron antes y le quita puntos a un ejercicio que pese a todo resulta brillante y poco recomendable para aquellos a los que no les gusten, de verdad, las emociones fuertes.


Silvia García Jerez

Sangre de mayo: una peli que da miedo…

Antes de comenzar a visionar la última película de Garci, “Sangre de mayo”, un inevitable escalofrío me recorría por el cuerpo…Enfrentarse a lo desconocido, intuyendo los temores mas profundos.
“Sangre de mayo” esta ambientada en el Madrid de 1808. Según su director “es una historia de amor” antes que una peli sobre el 2 de mayo. Dura dos horas y media, uff.
Los primeros 125 minutos están dedicados a la historia de amor. Los 25 restantes se habla apresuradamente de los acontecimientos de aquel día.
La primera parte, la historia de amor, es menos romántica que “Saw”. La segunda, el tema épico, tiene tanta marcha como “Gandhi”. Eso si, en este bloque se mueve un par de veces la cámara, algo inusual en el cine del director.
El conjunto a pesar de su corrección formal es tedioso, desapasionado, y con menos gracia que un geranio. Y para mas insidia, comienza con la voz del propio Garci en plan Hitchcock relatándonos la cosa y termina con unos planos del glorioso Madrid actual, con el Metro a la cabeza. Después de haberle dado 16 millones Esperanza Aguirre, quizá era necesario como regalo este bonito publireportaje…Todo muy en consonancia con Telemadrid.

Allá de aquel que se atreva a adentrase en las oscuridades de este tipo de películas…Hemos avisado…

“Tenle miedo, mucho miedo”…al menos de quedarse dormido…

Alex Molina

Death Race: Videojuego sin mandos

En 1975 un casi debutante Sylvester Stallone intervenía en una cinta titulada “Death Race 2000”, película que no vi y de la que sólo tengo la referencia de su moderna revisión, con el protagonista de los “transporters”, un Jason Statham tan inexpresivo como acostumbra pero de mejor ver que muchos de los héroes de acción que nos suele ofrecer el cine, Sylvester Stallone incluido.
La historia que cuenta la película es bien simple: debido a un asesinato que no ha cometido el personaje de Jason se ve metido entre rejas y la directora de la prisión le obliga a participar en la carrera de la muerte, un programa líder de audiencia que tiene como protagonistas a los reclusos más peligrosos. Sólo su participación puede librarlo de su estancia entre los barrotes y su misión en concreto es suplantar al último Frankenstein, un supuesto corredor tan desfigurado por los accidentes que ha de llevar máscara. Eso permite a cualquiera que demuestre condiciones para celebrar una carrera feroz convertirse en Frankenstein y acceder a la libertad que se encuentra tras la línea de meta. Pero nuestro nuevo Frankenstein tiene planes más allá de ganar la carrera…

Tal vez yo lo cuente mejor que el guionista, que es el mismo que el director y que a su vez fue el responsable de “Resident Evil”. Aquella me gustó. Esta no. Porque todo lo dicho no es más que una excusa para llevar a la pantalla grande, con más descaro que las películas de la mismísima Lara Croft, las pequeñas de las que se compone un videojuego, con la desventaja de que el espectador no puede, como sí hace “la realizadora” Joan Allen, directora de la prisión, elegir a qué personaje sigues en cada momento. Y lo cierto es que si pudiéramos elegirlas también nos daría igual, tal es el grado de escasa sustancia que contiene la película.

Silvia García Jerez

Fuga de cerebros (2)

Si la semana pasada hablabamos de como Hollywood se llevaba a aquellos directores españoles que despuntaban un poco, hoy tengo que continuar con el mismo tema. En primer lugar hablando de los remakes de dos de las pelis más interesantes que ha dado nuestra cinematografia el ultimo año: "La Habitación de Fermat" y "Los Cronocrimenes". Ambas tendran su versión americana pero en el caso de la peli de Nacho Vigalondo llegara a estrenarse en los cines de USA con el chulo cartel que estais viendo.
Y no tienen suficiente con los remakes y con Gonzalo López-Gallego, Juan Carlos Fresnadillo y Jaume Collet-Serra sino que además se nos llevan (porque tristemente les dejamos irse) a Luis Berdejo, Àlex Pastor y David Pastor. Y a gente como Nacho Cerdà al que han empezado a tentar con cosas como "Destino Final 4". Aunque en este caso Hollywood es famoso por sus cantos de sirena. A cualquier director que despunte un poco en cualquier lado rapidamente se lo llevan para alla y le ofrecen varios proyectos jugosos de los que no van a acabar haciendo ninguno, claro. Esto cumple una doble tarea frenar las industrias de otros paises y a aquellos que realemente creen que pueden funcionar, acojerles como si siempre hubieran sido suyos. Esto es así desde que la "Fabrica de sueños" existe. Pero en en alguna ocasión los cantos de sirena son reales como en los casos mencionados arriba.
Luis Berdejo
El caso de Luis Berdejo es poco común ya que no ha dirigido nunca un largometraje pero ha sido elco- guionista de nada menos que "[Rec]" y "Películas para no dormir: Cuento de navidad" y con tan corto (aunque interesante) curriculum se lo llevan para hacer "The New Daughter"; un thriller sobrenatural protaganizado por nada más y nada menos que Kevin Costner.
Alex y David Pastor
Juntos esta pareja de hermanos han dirigido en los USA, Carriers. Y al igual que Berdejo solo con un par de cortomometrajes a sus espaldas se han embarcado en una roadmovie apocaliptica con Chris Pine y Piper Perabo entre otros. Eso si, todo lo rapido que les hicieron firmar con Paramount y rodarón la peli ahora les tienen parados porque Chris Pine sera el Capitan Kirk del "Star Trek" de J.J. Abrams. Y mientras el chico se convierte en estrella la película de los hermanos Pastor acumula polvo en un cajón.

Locura Televisiva

Comenzo la primera serie de Alex de La Iglesia para televisión. Todo tenía buena pinta sobre el papel; el reparto, el diseño de producción, el argumento... lo malo es que se ha quedado ahi. Un poco como ha pasado con "Los Crimenes de Oxford" este mismo año, Alex tenía todos los ingredientes adecuados pero le faltaba el ingrediente base. Y es que este "Plutón BRBnero" o "Plutón Berbenero" no tiene gracia. Y eso no es lo peor, lo peor es que tampoco tiene un argumento que enganche y eso se resiente si la cosa no te hace gracia. Respecto a los actores reconozco que los unicos que arrancaron una sonrisa de mi cara fueron Manuel Tallafe y Enrique Martinez. La que si que consiguio arrancarme otras cosas fue la androide de la nave. Ese nuevo descubrimiento de Alex que es como una actriz porno, esta tremenda pero no sabe actuar, Carolina (Gang) Bang. Tambien es cierto que a una serie hay que dejarle respirar, no siempre el primer episodio es lo mejor (casi nunca) y todavia puede darnos muchas sopresas. Ojala este Plutón Brbnero tome buen rumbo y nos lleve hasta el infinito y más alla.

Fuga de cerebros

Si apenas hace una semana os hablábamos del estreno de “El Rey de la montaña” y un servidor os comentaba que su director Gonzalo López-Gallego era una rara avis en el panorama cinematografica, por su preocupación por los aspectos visuales y por “cierta voz” que le distancia de los demás. Pues claro, todas esas virtudes que parece que aquí no saben apreciar en ese gigante que es Hollywood si. Y esta misma semana se ha hecho publico que su próximo proyecto será en Hollywood y con nada menos que Kirsten Dunst como protagonista. Según se anuncia es una película de terror con fantasmas en el estilo de “Otra vuelta de tuerca”. Es curioso que en este “bendito” país pase desapercibido y seguro que cuando venga con su película americana hara 100 veces más taquilla. Así nos va…
Y ya que estamos esta semana tambien se ha anunciado la nueva peli de Jaume Collet-Serra, aquel que firmo hace unos añitos “House of Wax”. El caso de este es mucho más curioso porque de tan buen director de publicidad ni una peli hizo aquí. Se lo llevaron a los USA sin lidiar con el cine patrio. Ahora vuelve a repetir en esto del terror con una película que lleva el original titulo de “Orphan” (uy de que me suena a mi ese titulo). Tiene a los solventes Peter Sarsgaard y Vera Farmiga entre sus protagonistas. Recordemos que tuvo que lidiar con la “actuación” de Paris Hilton en su primera película.

P.S.: el cartel no tiene nada que ver pero me gustaba :) .

Asesinato Justo

Cuando uno hace un equipo grande de fútbol como lo era el Real Madrid en la era de los "Zidanes" y "Pavones" al presidente Florentino Pérez se le antojaba tener a los más grandes de la galaxia. Se traía a los mejores jugadores del mundo, encajaran o no en el equipo, y a veces había espectáculo, y otras era como el metro en hora punta. Mucha estrella, poco espacio.
Dos de los actores más respetados de nuestro firmamento, Al Pacino y Robert De Niro, han coincidido pocas veces en pantalla. La primera gracias a Francis "Ford" Coppola en EL PADRINO II, donde no podían compartir secuencia alguna, a no ser que la cinta la hubiera firmado David Lynch, ya que interpretaban a padre e hijo separados unas cuantas décadas en el tiempo. La segunda fue gracias a Michael Mann más de 20 años después, en HEAT. Coincidían una única secuencia en pantalla, en un diálogo de plano / contraplano en una cafetería que defraudó a más de uno porque, decían, el que estaba de espaldas siempre no era ni siquiera uno de los dos.
Entonces va y llega Jon Avnet, que aparte de haber dirigido TOMATES VERDES FRITOS, LA GUERRA o ÍMTIMO Y PERSONAL, utilizó el año pasado a Al Pacino en 88 MINUTOS, un thriller bastante corrientito, por decirlo suavemente. Ahora se encontraba preparando un proyecto con De Niro y fue éste el que le recomendó a Pacino para hacer de su colega en las fuerzas que defienden el orden y la ley (sic).
Los que tienen ganas de verles juntos un buen rato, aunque sea dándose codazos (si fichas a Casillas y a Reina, dos excelentes porteros, no puedes pretender que jueguen juntos, por seguir con el símil futbolístico) van a poder decir aquello de "a la tercera va la vencida".
¿La película está bien? Es mejor que 88 MINUTOS, sin duda, pero no mejor que HEAT (y por supuesto, comparada con EL PADRINO II, pues como que, en fin...). Hay un giro que se ve venir desde que sale lo de MovieRecord. Pero nadie va a ir a ver ASESINATO JUSTO, que es como se llama ésta, pensando en deslumbrarse con un giro final como el de EL SEXTO SENTIDO o EL PLANETA DE LOS SIMIOS (la primera, no la de Burton).
ASESINATO JUSTO nos da, por fin, el sueño mitómano y fetichista de tener a estos dos monstruos frente a frente, cara a cara (como Cage y Travolta, dígase con la mayor de las ironías) durante dos horas que se pasan sin sentir, y poco importa si la peli está a la altura, o no, de aquellos thriller de finales de los 80 con Richard Gere. Esto no se va a repetir, y si se repite, me da que ninguno de los dos estará ya para seguir corriendo y pegando tiros como lo hacen tan bien (para los kilómetros que llevan encima) estos dos grandes del club al que pertenecen unos pocos privilegiados como Marlon Brando, Jack Nicholson o Dustin Hoffman.

Manuel Martinez Velasco

El Rey de la Montaña: Un thriller consistente

Al decir que “Rey de la montaña, El” es un thriller consistente puede parecer que este hablando más de un plato de cocina que de una película. Puede que parezca que no es un gran merito dar “consistencia” a un thriller pero si nos detenemos a pensarlo no es nada fácil. Y mucho menos en este pais. El thriller (bien hecho) es un género que se ha cultivado poco por estas tierras. No solemos hacer películas que te tengan en tensión desde el principio hasta el final y que encima sean coherentes. Esta lo es.
Recuerdo haber visto la primera película de Gonzalo López-Gallego, aquella Nómadas, y haber pensado que buen director de genero sería este tio si hiciera una historia simple y sin pretensiones. “Nómadas” era una primera película experimental, que sorprendía por lo arriesgado de su apuesta y dejaba entre ver las posibilidades de su director. Visualmente estaba muy por encima de la media y recordaba a gente como Lynch (muy mucho) pero le faltaba esa coherencia, esas consistencia que tienen las películas más comerciales. No era para el gran publico ni mucho menos.
Esta vez para “El Rey de la montaña” ha contado con una premisa muy sencilla y eficaz y el resultado es notable. Un hombre y una jovencilla se encuentran hostigados por uno (o varios) francotiradores en una carretera de montaña y se verán obligados a luchar por su supervivencia al más puro estilo "Deliverance(Defensa)" . Por supuesto hay un giro que no voy a desvelar y que haría a la película mucho más original (comienzo spoilers) sino fuera porque hace un par de años se estreno la estupenda “Ils (ellos)” y que contenía el mismo giro (fin de spoilers) . Lo cual no le quita merito a la película.
Desde luego “El Rey de la montaña” no funcionaría tan bien sino fuera por la labor de su principal protagonista, el genial Leonardo Sbaraglia que lleva en sus hombros casi todo el peso de la película. Le ayuda a compartir la carga (aunque poco) María Valverde. Llegamos a saber poco de estos dos personajes. Lo justo para que tengan la carne suficiente como para que nos preocupemos por ellos. El resto es labor de dirección. Gonzalo López-Gallego consigue algo a lo que no estamos acostumbrados; entretenernos con una puesta en escena sencilla y eficaz. Quizas me sobran un poco esos planos en plan “Medal of honor” en el que solo vemos el cañon del arma y la mirilla y el característico ruido de videojuego al cargar el arma. Claro que tienen una intención muy clara pero quizás son demasiado obvios. Por lo demás cinta muy recomendable.

Rourke: Recuperando la gloria perdida

Aunque no le hayan premiado en Venecia, todo el mundo comparte la misma opinión: Mickey Rourke se sale en “The Wrestler”. Y me alegra un montón, porque desde que un servidor era pequeño Rourke siempre ha sido un mito. Ya lo había recuperado Robert Rodriguez en “Sin City” en donde estaba enorme y Darren Aronofsky parece que le ha dado uno de esos papeles que son un bombón para los actores y que le viene como una segunda piel a Rourke: el de un luchador de lucha libre acabado que intenta enmendar su vida con su mujer, una stripper y su problemática hija. Por cierto la stripper es la otra recuperada, Marisa Tomei. Reconozco que nunca me gusto la Tomei hasta que la vi a cuatro patas montada por Philip Seymour Hoffman en esa reciente joya del cine negro que es “Before the Devil Knows You're Dead (Antes que el diablo sepa que has muerto). En esta a parte de lucirse en la escena de marras daba toda una lección de lo que es una interpretación. Las criticas también han destacado que “The Wrestler” no es tan pretenciosa como la anterior cinta de Darren Aronofsky lo cual también es muy de agradecer. No en vano ha ganado a mejor película en el Festival de Venecia, y aunque no han premiado a Rourke, el jurado ha tenido que reconocer su valía a la hora de premiar la película.

Ni los golpes de boxeo, ni el alcohol, ni el botox han podido domar el espiritu de Rourke. Espero que este sea solo el principio del regreso triunfal de uno de los actores más carismaticos que ha dado Hollywwod en los ultimos 25 años.

Red Sonja, el postercico

Póster que no tiene desperdicio. Solo espero que sea mejor que aquella versión de Richard Fleischer que anunciaba en letras gigantes a Arnold Schwarzenegger en "El Guerrero de Rojo", aunque el "Red Sonja" era Brigitte Nielsen. Ahora la Guerrera Roja será Rose McGowan y la producirá su maridin Robert Rodriguez pero no la dirigirá. De momento el póster tiene la sutiliza de una patada en la entrepierna y me encanta.

El Tren de las 3:10: Al viejo estilo

Ya no se hacen muchas películas de vaqueros. Eastwood de vez en cuando se desmarca con alguna pequeña obra maestra del genero, tambien hay algún intento por recuperar el viejo espíritu del oeste o variaciones sobre el tema con mujeres, afro americanos, asiáticos… poco más. Así que ponerse a adaptar una historia corta de Elmore Leonard (le recordaran por otras adaptaciones como “Jackie Brown” o “Get Shorty”) es cuanto menos una decisión arriesgada. Más si tenemos en cuenta que la historia que planteaba Leonard es una de esas a la vieja usanza con heroe noble y con principios, alguien que podría haber interpretado John Wayne, y que además ya se adapto en su momento “3:10 to Yuma” (1957). Lo que no me sorprende, eso si, es que haya sido James Mangold el encargado de llevarla a cargo. Este tío lo mismo le da un biopic sobre Johny Cash, una comedia romántica que un drama criminal o un thriller psicológico. Eso si no siempre le sale bien la cosa, claro. En este caso ha hincado el diente al western. Un género que lleva moribundo desde que un italiano, un tal Sergio Leone, le metió varias balas en el cuerpo al ritmo de la música de Ennio Morricone. Eso no le ha impedido a Mangold rodar una película que bebe del espíritu estético de los spaghetti westerns y del espíritu moral de gente como John Ford o Howard Hawks. Algo que ya no se suele ver mucho. Y lo mejor de todo es que lo hace bien.

Tampoco se da mucho ya, que el cine refleje a verdaderos hombres buenos y rectos (sin que sean un ridículo cliché) , no porque estos sean unon necios sino porque tienen que serlo (buenos y rectos, claro). El deber por el deber que decía Kant. Y el personaje de Christian Bale lo és. No voy a destriparos sus razones, pero es un hombre con una obligación moral que se debe enfrentar a un criminal, a la bestia parda que interpreta Russell Crowe concretamente. Pese a todas las circunstancias en contra que el personaje de Bale tiene, los enemigos de Crowe, son los que le hacen la vida imposible a él. Y aún así esta dispuesto a ayudarlos. Porque es lo correcto. Una película que habla sobre las obligaciones morales, sobre la familia, sobre el bien y el mal, sin caer en maniqueísmos, ni simplezas y sin perder en ningún momento el sentido del espectáculo.