jueves, noviembre 30, 2006

Un predicador televisivo


¿Una buena noticia? ¿una mala noticia?, vosotros decidís. Finalmente Predicador llegara a la pantalla, aunque será a la pequeña pantalla en forma de serie televisiva para la cadena de cable HBO. Aunque hay que reconocer que el "cable americano" ultimamente que viene siendo bastante más potente, original y fresco que lo que podemos en los cines, la verdad es que Predicador es uno de esos comics complicados de adaptar. No quiero destripar nada a aquellos que no han leido la creacción de Garth Ennis y Steve Dillon pero las barbaridades que se muestran en sus paginas encajan dificilmente en los gustos televisivos. Eso sin entrar en la polemica religiosa, evidentemente, ya que las andanzas de un predicador que tiene el dón de tener La Palabra de Dios, que se alia con un vampiro y su antigua novia para ajustar las cuentas al todopoderoso, no son muy del gusto de mucho cretino que anda por aquellas tierras (Se aceptan apuestas de cuanto tiempo aguanta en antena). El responsable de adaptar el episodio piloto es Mark Steve Johnson, director y guionista de "Daredevil". Si, me gusto “Daredevil” ( ya lo se, ahora voy a fustigarme). Ahora que por fin despues de años de hablar de una posible película del "Predicador" dan luz verde a una serie, es de esperar que no se corten y lo lleven hasta sus ultimas consecuencias. Jesse Custer se lo merece y nosotros tambien.

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Todo queda en familia

Espectacular la primera imagen que nos llega del rodaje "La Madre de las Lagrimas (Mother of Tears)", San (Dario) Argento apuñalando a una de las protagonistas de la cinta. Un servidor se arriesgaria a decir que la victima en cuestion es la hijisima de Jane Barkin, Lou Dillon, tambien protagonista del remake de "Sisters". No es de extrañar la foto sabiendo el gusto que tiene Argento por interpretar al asesino en sus películas (aunque solo sean sus manos). Dario Argento que esta conociendo una segunda (o tercera) juventud en cuanto a popularidad se refiere, que no en cuanto a calidad, debido al exito de sus capitulos en la serie "Masters of Horror" ha comenzado a rodar el final de su trilogia sobre las tres madres. Dicha trilogia comenzo hace casi 30 años con la excepcional "Suspiria" y continuo con la tambien excepcional aunque incomprnsible "Inferno"* y contaban la historia de las tres madres, unas ancestrales brujas que tenían todo un sequito de adoradores esparcidos por todo el mundo y que se alimentaban de la juventud de las pobres muchachas que sus adoradores las conseguían. Esta vez el guión viene firmado por dos yankis responsables del libreto de "Toolbox Murders". Y como todo queda en familia la protagonista es la hijisima Asia Argento, que para enredar más el culebrón estará acompañada de Daria Nocolodi (madre de Asia y ex de Dario) y un habitual de la trilogía como Udo Kier. Si la ultima entrega es la mitad de lo que promete esta foto los aficionados vamos a estar de muy enhorabuena.

*Dos titulos que si no has visto recomiendo ahora mismo que alquiles, compres, robes, descargues o pidas prestado.

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martes, noviembre 28, 2006

Be water, my friend


Cada día que pasa tengo menos aprecio por esta especie nuestra, la raza humana. Hubo un tiempo en que un servidor tenía ideales y pensaba que la gente podía cambiar, que en el fondo la gente era buena pero las circunstancias les llevaban a hacer cosas malas. Hoy creo que es justo al contrario: la gente es mala por naturaleza y tan solo en determinadas ocasiones obra bien (a veces es simplemente por error). ¿Y a que coño viene ponerse metafísico en un blog como este? . Porque hoy además de jodido, estoy influido por el personaje protagonista de este articulo.
Bruce Lee fue mucho más que un actor que salía en películas de patadas y puñetazos o el reclamo de un anuncio de televisión. Aunque muchos de las nuevas generaciones apenas no saben quien era, fue un mito para toda una generación anterior, alguien que salio de lo más bajo y llego a lo más alto, alguien que se ganaba la vida (simulando) romper huesos con sus manos y que predicaba filosofías orientales de paz y relajación. Bruce Lee hizo más por acercar la filosofía oriental a Occidente que el maldito Dalai Lama en mil reencarnaciones, aunque ahora se le utilice para vender coches. Y por si esto no es suficiente un fraude como Rob Cohen que ya se aprovecho de Bruce Lee con “Dragón: La historia de Bruce Lee” planea dirigir una nueva película con el mítico Bruce Lee. Increíble pero cierto. Más de 30 años despues de su muerte van a resucitarle para protagonizar una nueva película. La tecnología ya permite hacerlo sin problemas. Así que si podemos por que no vamos hacerlo ¿verdad, Rob?.
Ya lo decia el maestro "se agua, mi amigo"... y que os resbale.

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lunes, noviembre 27, 2006

"EL PERFUME": Una obra de arte


¿Cuántas veces hemos leído un libro que nos ha gustado y hemos querido verlo convertido en película? Pues más de una y no es algo sencillo. Las adaptaciones cinematográficas son complicadas y que cada lector quede satisfecho con la visión que otra persona ha tenido del mismo libro, puede ser poco menos que imposible para el director que se enfrente a la empresa, ya que en el 90 % de los casos los espectadores que conocen la obra en la que se basa la cinta salen del cine diciendo que el libro es mucho mejor, que contaba las cosas con más detalle, que los personajes los dibujaba con mayor precisión el escritor que el director de la película y por supuesto, a menudo no se acierta con el reparto que cada admirador del texto escrito se había creado antes de ver el largometraje en la pantalla.

Pero no todos son fracasos. Todavía resuenan en nuestros oídos los aplausos que público y crítica dedicaron a la trilogía de “El Señor de los Anillos” que dirigió Peter Jackson, o aquellos otros que recibió la adaptación de “Las horas”, una cinta de menor envergadura, pero no de menos calidad, que le dio a Nicole Kidman un merecido Oscar a la mejor actriz. Y ahora llega “El perfume”, celebrada novela de Patrick Suskind, lectura obligada para todos los amantes de la literatura y éxito asegurado para cada lector que se enfrente a la historia que cuenta. Una historia imposible de creer pero creíble gracias a la mágica utilización de cada una de las palabras que la componen. Una vez acabada la gran obra no puede imaginarse que una película le haga justicia y lo cierto es que Tom Tykwer, responsable de “Corre, Lola, corre”, ha logrado hacérsela.

Poesía pura es lo que destilan las imágenes rodadas. Algo muy difícil de obtener en el cine. Ha conseguido traernos al año 2006 los olores de 1700, siglo en el que nació Jean-Baptiste Grenouille, ese jovencito, que tuvo el sentido del olfato más desarrollado que nadie en sus días y que pretendió crear el perfume perfecto: aquel que capturaba la esencia del ser humano. Y no de cualquier ser humano, sino el de aquellos que olieran mejor que los demás. Da la casualidad de que esos olores correspondían a mujeres y como resultaba imposible que ellas se prestaran a dejarse capturar el olor, Jean-Baptiste no tenía más remedio que matarlas. Por lo tanto Tykwer nos cuenta en imágenes la historia de este asesino que no pretendía serlo.

Y pese a lo que pueda parecer, ya digo, lo que vemos en la pantalla no es un continuo baño de sangre, sino una película bella, una obra de arte que no nos deja respirar durante dos horas y veinte minutos, que nos tiene hipnotizados, emocionados. Una cinta que no decae en ningún momento, que va a más en su narrativa y que cuando parece que ya no quedan recursos cinematográficos para contar la complicada parte final de la novela, Tykwer despliega la cámara en un derroche de poesía y nos descubre una nueva forma de hacer cine. La sutileza se adueña de la pantalla y contemplamos asombrados cómo se puede hacer fácil lo difícil. Tykwer ha conseguido una de las mejores películas del año. Europea, que nadie se engañe. Que todos la aplaudan.

Silvia García Jerez

viernes, noviembre 24, 2006

"The Host": Monstruo marino agridulce


El cine de Bong Joon-ho es como la comida china (se que el ejemplo puede parecer un poco obvio pero tiene explicación). Su cine al igual que la comida asiática es una mezcla de sabores que a priori no deberían mezclar muy bien pero que en la boca producen un festival de placer. Criado en la comedia Bong Joon-ho ha resultado ser uno de los realizadores más frescos e innovadores del cine de género que ha dado el mundo en los últimos años. Su camino elegido esta lejos de ser posmoderno y vanguardista, al igual que lo esta de ser clásico y de "vuelta a las raíces" que son las dos tendencias que más se dan habitualmente. BJH mezcla géneros como lo haría un cocinero experto pero no lo hace con afán rupturista, al contrario. Su intención es la de acercar lo más posible la historia al espectador, consiguiendo un realismo pocas veces visto, ya se trate de una película sobre un asesino en serio como sobre un monstruo mutante gigante. Su receta es sencilla en apariencia. Drama y comedia se dan la mano en sus cintas. Aunque eso es solo la superficie porque lo que hay debajo es un mucha humanidad. BJH busca el lado humano de las historias más dispares como si de un melodrama se tratase.
En su anterior cinta, la genial "Memories of Murder" seguía las andanzas de unos policías de pueblo que tratan de dar caza a un asesino en serie que burla a la policía una y otra vez a la policía. Hemos visto esa historia miles de veces en el cine de Hollywood, seguro. Lo que seguro que no hemos visto es como la policía puede ser incompetente en sus pesquisas, brutal en sus interrogatorios y unos tipos de carne y hueso con sus miserias y sus grandezas. Como cocinero experto que es BJH sabe especiar sus cintas con mucho humor, un humor a veces ácido y otras ingenuo que se atraganta en la boca del espectador con la amargura de la siguiente escena. Y la receta funciona a la perfección.
Y es tan valida para el thriller policial como para películas de monstruos. Porque es lo que es "The Host", una película de monstruos. De monstruo fluvial (más que marino) para ser más concretos. "The Host" hace suya la frase: La familia que lucha unida contra un monstruo mutante permanece unida. Porque también es eso, una película sobre la familia. Con todo lo que ello conlleva. Lo mismo vemos ataques del monstruo que retratos de una familia disfuncional que comienza a unirse en torno a los trágicos acontecimientos ocurridos. Pocas veces vemos los funerales de las victimas en una película de terror y ya no digamos las reacciones de dolor de los familiares de las victimas. Ni como el gobierno oculta los hechos, ni como se comporta la gente de carne y hueso ante situaciones extremas.
Aún así BJH no puede resistirse y salpica con deliciosos toques de comedia tan geniales como ese padre que busca a su hija desparecida que es poco menos que un imbecil rematado y que sin embargo despierta la simpatía del espectador. BJH utiliza su trouppe habitual de actores entre los que destaca el habitual del mejor cine coreano Kang-ho Song y de algunos actores norteamericanos de esos secundarios de toda la vida como son Scott Wilson o Paul Lazar, a los que BJH utiliza para dar buenos palos a la política estadounidense en Corea de Sur, ya que la cinta tiene muchas segundas lecturas políticas nada sutiles. Y como digo es agridulce porque el maestro coreano tampoco se resiste a jugar con las expectativas del espectador una y otra vez. Imaginaos que "Godzilla" la hubiera rodado alguien como Ken Loach y estaríais cerca de haceros una idea de lo que es "The Host". La grandeza de "The Host" no reside en sus espectaculares efectos especiales (obra de WETA responsables de la saga de "El Señor de los Anillos") sino en su sencillez y en su proximidad. Porque te llegas a creer que lo que esta sucediendo en la pantalla pueda suceder en realidad, algo así como Ciencia-Ficción verite. Y todo sin renunciar a la sal gorda, la carnaza y algunos higadillos. Ni al entretenimiento puro y duro.

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Una de trailers

Vamos con una racioncilla de trailers, de esos que nos ponen los dientes largos:
En primer lugar tenemos "Turistas" (viendo el trailer uno tiene la duda de si los productores habran visto "Habitaciones para Turistas" o solo es casualidad), protagonizada por la nueva reina del grito Melissa George .


"Black Christmas" es un remake del clasico de Bob clark (director además de cintas tan dispares "Porky's" o "Aseinato por Decreto") y es uno de los pocos remakes que parece buena idea y que además tiene buena pinta.


Y la ultima es el segundo film de Eduardo Sánchez, "Altered" uno de los dos responsables de aquel boom mediatico que fue "Blair Witch Project" y que despues de 7 años ha conseguido hacer una segunda película a pesar de que la primera recaudo más de 100 millones de dolares cuando solo habia costado unos pocos ("La fama se paga dura, chicos"). Al igual que en aquella primera película en este teaser se intuye algo más que verlo realmente. Ojala que Eduardo haya aprendido la lección.

miércoles, noviembre 22, 2006

Posesion Infernal: El musical


O lo que es lo mismo "Evil Dead: The musical". Aunque parezca mentira se ha hecho un musical de la genial película de Sam Raimi. Esa joya del cine de terror de los primeros ochenta, la cinta que convirtió a Bruce Campbell en una estrella de culto, ahora conocerá su versión teatral. Os ofrecemos un fragmento para que podéis disfrutarla todos los que no vivimos en Nueva York. ¿Podremos verla algún día en algún teatro de la Gran Vía (o de Corrientes que para el caso es lo mismo)?.

martes, noviembre 21, 2006

TRASTORNO: Copia con personalidad propia

¿Alguna vez te ha apetecido ver una película como “La mano que mece la cuna” hablada en español? No, no me refiero a doblada, sino a una película como aquella, o como “Mujer blanca soltera busca…” –aunque esa era tan mala que personalmente no querría ni que la hubieran hecho- rodada en España con actores españoles y como aquélla(s), funcionaran igual de bien en lo que a tensión y a buen desarrollo del género se refiere. Pues ahora podemos verla. Se titula “Trastorno” y la dirige Fernando Cámara, uno de los dos responsables, junto a David Alonso, de esa joya y cinta de culto que era “Memorias del Ángel caído” y a sus órdenes se ponen Ingrid Rubio, Najwa Nimri y Juan Sanz.
Y con esa introducción no estoy acusando de plagio a los nombres citados, puesto que el homenaje no sólo es claro sino que además está hecho a conciencia, con la intención de averiguar si en España somos capaces de hacer un cine parecido a aquél, cuyo resultado le gustaba tanto a Cámara. ¿Homenaje, entonces? Sí, homenaje y reto, reto del que sale airoso, por cierto. Porque la película es muy eficaz, tiene un argumento ya conocido, por supuesto, pero no por eso deja de tener momentos de angustia y una progresión en los personajes tan creíble como el género lo pide.
Es la historia de un matrimonio joven, compuesto por Jaime y Natalia, Pep Munné y Nimri. Ella está en avanzado estado de gestación y a su casa llega una visita de fin de semana: la hermana de Natalia, Elena, o sea, Ingrid Rubio, con su novio, interpretado por Juan Sanz. Ellos están intentando tener hijos pero no parece que les sea fácil, pero durante la estancia Elena se hace la prueba del embarazo y le da positivo. Y todos están encantados, hasta que Elena pierde al niño... y con él, la razón.
Una casa, por lo tanto, sirve de escenario para toda la acción y ya la francesa “Ellos” nos enseñó recientemente cuán peligrosa y terrorífica puede ser una casa cuando hay una amenaza dentro. Ingrid Rubio, una actriz un tanto limitada, consigue meterle el miedo al espectador y comunicar una demencia progresiva que va envolviendo en violencia toda la parte final de la cinta. Nimri es entonces la sufridora, la pasiva, la que tiene que salvar su vida y la de su hijo y Juan Sanz… si usamos las palabras que el actor utilizó en la rueda de prensa para describir a su personaje diríamos que es “la rubia tonta”. Un triángulo español para una película de terror que merece verse.

Silvia García Jerez


lunes, noviembre 20, 2006

SAW 3: Crónica de una muerte anunciada


Uy, uy que ilu, uy que ilu que estrenan Saw 3 (sau zri, que diría algún gafaspasta), tendremos que ir a verla, vamos, vamos todos juntos en comandita a verla!!! Y vas ilusionada porque piensas en que no sabes qué te vas a encontrar. Y pagas 6,5 € en ver...en ver nada.
Porque Saw 3 no es nada. Bueno sí, es sangre y torturas.
Porque de película tiene poco.
Así como las dos primeras partes fueron acojonantemente buenas, esta es un castañazo. Una peli lenta, sangre, muy lenta, torturas, demasiado lenta, pierna rota, y sí, es lenta. Saw 3 ya no tiene argumento. Saw 3 entremezcla dos historias de amor.
¿Amor en Saw? Sí, amor. Amor que hace que la pava que tengo sentada delante abrace al novio y le diga "Que tierno", para ver que al minuto siguiente le están dando arcadas al ver un montón de vísceras por el suelo. Pero no el amor paterno-filial que puede ser soportable. No, amor del que hace vomitar. Amor del que te hace pensar "He venido a ver Saw? O esto que mierdas es?" Se ha perdido la intriga de las dos primeras partes. Antes de que llegue la mitad de la película, ya te la sabes. Ya sabes quien es el malo, ya sabes quien es la mala, ya sabes quien va a morir, y quién no.
En los últimos 15 minutos de la película lo intentan arreglar, dando giros de argumento absurdos e inconexos. Y sales del cine cuestionándote: "¿E
n qué parte me he dormido?" Saw 3 es un refrito de las dos primeras. Que si flashback por aqui, que si recuerdo por allá, que si movimiento de cámara. Y escuchas a la pava de las arcadas preguntándole al noviete: "Y ese quien es? Pero ese está vivo? Y qué tiene que ver esto?", que te dan ganas de decirle "Te quies callar de una puta vez y alquilarte las dos primeras, por el amor de dios?" Si no te hace vomitar el amor, te harán vomitar las vísceras. Y si ninguna de las dos anteriores lo consigue, saldrás mareado de la puta cámara. Que si, que está muy bien algún plano con cámara de mano, pero no toda la puta película, por dios. No se ve una mierda, no te enteras de nada, el de al lado te pregunta "¿Pero se ha muerto?", a lo que tú le tienes que contestar "Ni puta idea, no lo he llegado a ver...he visto un colon por ahi, pero no me hagas mucho caso, porque no se si eran un colon o una polla de goma".
Y si ya es dificil seguir el hilo de una película apenas
sin argumento, sin guión, donde no sabes qué es presente y qué pasado, ya es acojonante si entras a una sala llena de niñatas. Niñatas que con solo ver la máscara, chillan. Coño, cállate, que si los diálogos ya son estúpidos, si me chillas al oido me voy a enterar de menos, joder.
Intentas pensar que no, que te estás equivocando, qué buenos son, coño, que yo creo que la peli va a acabar así, y me están engañando, voy a ver si me retuerzo los putos sesos en encontrar un razonamiento mucho más enrevesado, porque seguro que es así. Y no. La ley del mínimo esfuerzo, la solución más lógica es la correcta.
Y acaba la peli, y la gente se levanta, y tú te quedas sentadita, esperando un cartel de inocente o algo, o algo así como "Que no bobos, que este no es el final, que era broma". Total, un comienzo flojo, unos actores flojos, una continuación floja, unos diálogos flojos, mínimo suspense, unos personajes ridículos, demasiado refrito, en definitiva, una mierda como un campano. Y se comenta que quieren hacer hasta la 7. Pues que sepan los señores productores, que va a ir al cine a verlas Rita.
Drama Queen TV

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Tarantino & Miike


Seguro que es solo un rumor. Seguro que es mentira. Otro de esos bulos de internet que nos cuelan de vez en cuando. Aún asi ¿como no voy a hablar de ello?. Tarantino y Miike juntos en un spaguetty western, guau (ahora vuelvo que tengo que ir a cambiarme de pantalones). Esa es la noticia al parecer Takashi Miike va a rodar una pelicula en ingles sobre Django y uno de los actores parece ser que sera Quentin Tarantino. Django es uno de los personajes miticos del Speguetti Western que encarno Franco Nero pistola y metralleta en mano dirigido por Sergio Corbucci en los sesenta. ¿Que pinta el director más rapido del Este dirigiendo una del Oeste?. Ni lo se, ni me importa. Lo dicho, demasiado bueno para ser verdad.

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viernes, noviembre 17, 2006

Trailer en exclusiva de "Luger"

Estamos de estreno del avance de la nueva cinta del veterano Jeff Burr, responsable de un montón de secuelas como "La Matanza de Texas III" o "El Padastro 2". "Luger" (AKA "Luger of the black sun") trata sobre la mitica pistola de los nazis en una historia que mezcla la fanatasia, el thriller y el acción y que tiene entre sus protagonitas al no menos mitico Richard Lynch.

Cortesia de Agustin Vero Lima

jueves, noviembre 16, 2006

Como la vida misma

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martes, noviembre 14, 2006

Iluminense

lunes, noviembre 13, 2006

“Banderas de Nuestros Padres”: En busca de Clint Eastwood


Creo que lo primero que he decir es que soy una absoluta admiradora de Clint Eastwood como director. Como actor ya es otra cosa, pienso que es bastante limitado y que es lo suficientemente inteligente como para aceptar, o darse, papeles para los que es consciente de que está preparado. Pero como director es un genio y lo ha demostrado desde hace años. Incluso, hace dos, ganó su segundo, y más merecido Oscar en esta categoría, con una película que considero es una de las más merecedoras de la estatuilla a la mejor película de los últimos años: “Million Dollar Baby”. Diría que es la más merecedora en sí, pero no hay que quitarle el mérito a “El retorno del Rey”, que cerraba la trilogía de “El Señor de los Anillos”.
Después de aquella maravilla ambientada en el mundo del boxeo, no sólo una obra maestra sino un punto que marca un antes y un después en su carrera detrás de las cámaras, Eastwood, con 76 años, alguno menos cuando empezó el proyecto, se embarcó en una hazaña para la que no todos los directores están preparados, y menos a esa edad, y es que el maestro puso en marcha dos cintas que cuentan la batalla de Iwo Jima, ocurrida en la Segunda Guerra Mundial, cada una de ellas situadas en el punto de vista de cada bando, una, “Banderas de nuestros padres”, en el americano y la segunda, “Letters from Iwo Jima”, en el japonés. La primera ya está terminada, estrenada en Estados Unidos y en espera de que se pueda ver aquí a partir del 5 de enero. La segunda también la concluyó recientemente, pero no la veremos hasta marzo del año próximo. Y la razón de que esto sea así es que Eastwood la ha rodado en japonés, y de esta forma se estrenará, con subtítulos, como si de uno de los últimos experimentos de Mel Gibson se tratara, aunque sin la maquinaria publicitaria que suele mover los títulos del australiano ni, por supuesto, la que está rodeando a la cinta de Eastwood rodada en inglés. Por eso no se estrena en período de premios. Por eso está siendo marginada y es probable que sea ignorada aunque la supere, si lo hace, en calidad.
Pero volvamos a las banderas. Quien esto firma ya ha podido verla y pasa a continuación a daros su impresión, que no es precisamente buena. He comenzado diciendo que Clint me gusta, porque esperaba una gran película, pero me he encontrado con una cinta larga, fría y algo confusa, que me ha hecho incluso preguntarme que dónde estaba escondido el maestro durante el rodaje, porque no lo veo en la mayoría del metraje proyectado. Encuentro, sí, momentos de gran cine, destellos que podrían haber sido obra de Eastwood, como ese búnker iluminado por un mechero en el que el horror de lo que allí hay se transmite únicamente a través del rostro de un desencajado Ryan Phillippe. Sin embargo poco me interesa la película como cine, muy poco, porque ya la hemos visto. Unas cuantas veces y otra más en la estética y planificación que Steven Spielberg le imprimió a su “Salvar al soldado Ryan”. Me interesa en cambio como Historia, como historia de la Historia, ya que yo nada sabía de lo que había ocurrido con esas banderas que se pusieron en lo alto de la isla japonesa y con esa foto que tan famosa se hizo pero que tantos disgustos les dio a quienes en ella aparecían.
Espero que la visión de Eastwood sí quede plasmada en las cartas que escribe el general Kuribayashi, interpretado por Ken Watanabe, en la que será el otro lado de la contienda, y que sea una cinta merecedora de los aplausos dados a otros títulos de Clint, porque esta cara de la batalla parece más un proyecto no sólo apadrinado por Steven Spielberg para ganar un tercer Oscar como productor, sino plenamente orquestado por el responsable de “La lista de Schindler” porque sus imágenes contienen toda la frialdad que ya le hemos visto a Steven en películas como “Munich”, por poner un ejemplo reciente. La secuencia en la que los soldados homenajeados se encuentran con las madres de aquellos otros desaparecidos en la isla debería provocar lágrimas y corazones encogidos y lejos de eso asistimos al encuentro con la serenidad e interés de quien observa un hecho histórico poco conocido. No en vano Steven Spielberg quiso durante años dirigir esta historia, pero la dejó aparcada ante la complejidad de la adaptación, y cuando Eastwood se interesó por ella Spielberg le pasó el testigo, quedándose él en labores de producción. Pero vuelvo a preguntarme: ¿sólo en esa labor? Recordemos que “Poltergeist” la dirigió él sin poderse acreditar debido al funcionamiento de los sindicatos entonces, que no permitían que un director hiciera dos largometrajes al año y Steven en 1982 estaba inmerso en uno de sus más célebres trabajos, “E. T., el extraterrestre”. Pero a Spielberg no le detiene nada, ni siquiera hoy en día y ni con la presencia de Clint Eastwood al supuesto frente de la película.
Sólo un nombre se salva de la quema: el del indio canadiense Adam Beach, que interpreta al soldado Ira Hayes y que nos pone los pelos de punta con su negativa a formar parte de un grupo de héroes al que sabe que no pertenece. Si no fuera por él la cinta suspendería con peor nota. Sí, lo que leéis, no me parece que deba merecer ni siquiera un aprobado. No recuerdo ningún título de Clint Eastwood en que se tarde media película o más en entrar en la historia y sentirse cómodo como espectador con lo que se está viendo en la pantalla, ninguna en la que los flash-backs nos descoloquen y nos hagan preguntarnos que dónde estamos, ni ninguna en la que en general los actores encajen en sus papeles por el simple hecho del parecido físico con los auténticos soldados a los que interpretan. No, este no es el Clint Eastwood que nos gusta, el Clint que conocemos, a ver si en su próximo trabajo le encontramos.
Silvia García Jerez

domingo, noviembre 12, 2006

Behind The Mask : El como se hizo de un asesino en serie

"Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernom" sigue los pasos de cualquier slasher tipico, veamos: un pequeño pueblo del medio oeste de los Estados Unidos, una joven protagonista amenazada por un psicopata asesino, muchas victimas incautas, un equipo de televisión que sigue al asesino para hacer un documental sobre su vida... ¿Como?, ¿Un equipo de televisión?.
"Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernom" fue una de las sorpresas de la sección Midnight X-Treme del ultimo Festival de Sitges y una de las películas que más alegrias da en cada Festival que se proyecta. Ciertamente la idea de partida no es nada original: Un equipo de televisión que esta rodando un documental sobre un asesino en serie y le sigue alla donde va, incluyendo desde su vida cotidiana hasta como masacra a sus victimas. La belga "Ocurrio cerca de su casa" contaba la misma historia. Eso si, sin la gracia de esta. Porque donde la peli belga era una critica moral a la sociedad en la que vivimos, la cinta del joven Scott Glosserman es una disección divertidisma del cine de psicopatas.
Sigue al pie de la letra todas las reglas del género pero solo para darlas la vuelta para regocijo del espectador. Se nota que Glosserman se ha aprendido bien la lección y ha hecho los deberes empollandose todas las pelis de psyhcokillers y sus engranajes. Incluso se permite hacer multitud de bromas, guiños y referencias al aficionado que no entorpecen en absoluto el ritmo de la narración, muy al contrario la enriquecen y alimentan. Porque la cosa no va de asesinos en serie reales, sino de los de ficción: Michael Mayers, Jason Vorhees, Freddy Kruger... Esos son los maestros de Leslie Vernom (y de Glosserman, habria que añadir), los modelos a seguir. Asi no es de extrañar la presencia en el reparto de Freddy Kruger... esto, de Robert Englund (como desternillante nemesis del protagonista) y de la enanita de "Poltergeist" Zelda Rubistein, entre otros. El resto del reparto es bastante desconocido, incluyendo el protagonista, lo que le da bastante credibilidad a la cinta. "Detras de la mascara" nos enseña los trucos de los psicopatas al detalle, como acosan a sus victimas, como manipulan el escenario de la acción para que suceda lo que ellos quieren suceda, como elige a las victimas, incluso como hacen un servicio a la comunidad haciendo lo que hacen. Como ya he dicho no se plantea custiones morales de si es correcto ayudar al malo para conseguir un documental de premio, simplemente le seguimos la corriente. Y lo que comienza como una comedia va tornandose en película de terror pura y dura, sin perder de vista en ningun momento la comedia, eso si, cuando los periodistas se dan cuenta de que la cosa va muy en serio. Y no quiero "destriparos" nada con esto.
Por desgracia "Behind the Mask" no se ha estrenado ni en su pais de origen y es una pena porque es una de las cintas más frescas del año.

viernes, noviembre 10, 2006

El Expreso de Corea


No, amigos el titular no se refiere a una nueva amenaza del dictador de Corea del Norte, Kim Jong Il, ni a la vieja película de justicieros sino a la unión de los dos coreanos más cool (falta Kim Ki-Duk para que este completa la santa trinidad del cine coreano) Boon Jong-Ho y Chan-wook Park. Ambos unen sus fuerzas en su primer proyecto en ingles de titulo provisional "Trainshoot". Nada más y nada menos que una película de Ciencia Ficción basada en un comic francés (¡¡¡¡viva la globalización¡¡¡) sobre un tren de pasajeros que recorre la tierra con los últimos supervivientes del planeta. Se espera que los pasajeros sean internacionales y que empiece a andar en primavera. En la cabina del tren, a los mandos, Boon Jong-Ho (“The Host”) y en las calderas ejerciendo de productor Chan-wook Park (“Oldboy”).

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miércoles, noviembre 08, 2006

Ascenso Laboral

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viernes, noviembre 03, 2006

"Habitaciones para turistas" en Cinemad 2006


La muestra independiente madrileña Cinemad prepara este año un cartel espectacular, con ciclos dedicados a las primeras obras (y dificilisimas de encontrar) de David Cronenberg como "Crimes of the Future" o "Stereo", a Williams Burroughs con documentales y peliculas de ficción que abordan la figura del controvertido escritor, a la figura de la diosa Asia Argento (tanto como actriz como directora), dos pelis miticas de Seijun Suzuki, uno de superagentes de serie b a la z y un ciclo dedicado al terror mejicano. Y como remate un super juguso maratón el día 17 Noviembre de cuatro películas no estrenadas en España entre las que se encuentran "The Host" de Boong Joon-Ho, "Time " de Kim-Ki-Duk y por supuesto la opera prima del enfant terrible del cine de terror argentino Adrían García Bogliano, "Habitaciones para Turistas".
Para más información pinchad aqui.

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jueves, noviembre 02, 2006

Un Jim Thompson recuperado


Lo que son las cosas. Se ha anunciado que se ha recuperado material del maestro Stanley Kubrick de la epoca en que se mudo de Hollywood a Londres en 1961. Esa es la noticia para los grandes medios. Y en verdad os digo (al más puro estilo predicador) que la verdadera noticia es que uno de los guiones que se ha encontrado es un inédito de Jim Thompson que hizo para Kubrick llamado "Lunatic at Large", algo asi como "Lunático a la fuga", un oscuro thriller ambientado en Nueva York sobre un asesino-del-hacha fugado de un psiquiátrico. El guión data de 1956 y para los que no estéis muy familiarizados con Jim Thompson os diré que es simplemente uno de los más grandes escritores de novela negra del siglo XX. Y que la relación entre Kubrick y él fue bastante tormentosa hasta el punto de que el ego de Kubrick se impusiera en los créditos de "Atraco Perfecto(The Killing)" y no dejara a Thompson más que con el credito de dialogos adicionales. Y la misma historia se repitio una vez más al año siguiente con "Senderos de Gloria (Paths of Glory)", otra de las obras maestras de Kubrick de la que Thompson es en gran parte responsable. Pues aún asi, Thompson escribio un guión más para Kubrick este que estaba perdido y que el propio Kubrick quiso recuperar en más de una ocasión ya que decia que era muy buena idea pero que lo habia perdido en dicha mudanza. Kubrick murio siendo considerado un genio y el pobre Thompson (escritor maldito donde los haya al que pronto dedicaremos un articulo) tuvo que esperar mucho tiempo despues de muerto para que se le empezara a reconocer como es debido. Pues ahora un productor avispado como es Edward R. Pressman va ha recuperar ese guión para el cine. Eso si a la sombra del nombre de Kubrick en lugar de a la del genial Jim Thompson.
*Si quereis saber lo que es bueno echar una ojeada a la novela de Thompson "1280 Almas"

Sitges 2006: Recuento de cadaveres (en construcción)

Es hora de hacer repaso de las extraordinarios y a veces horripilantes hechos acaecidos en el Festival de Sitges de Octubre. Como es natural los irresponsables de esta pagina nos perdimos las películas que finalmente si hicierón con la mayoria de premios (Grimm Love Story y Requiem). Lo demás, a continuación:

Los Abandonados: el meloterror da sus ultimos coletazos de mano de la Fantastic Factory. ¿Qué es el meloterror se preguntara más de uno? Pues el meloterror es esa corriente que se puso de moda a principio de la década que consistía en hacer básicamente dramas que se vendían como películas de terror. Todas eran (y siguen siendo) iguales, mucha ambientación, mucha fotografía azulada, mucha insinuación y casi siempre nada que contar. En España hizo estragos este tipo de género durante los últimos cinco años y el éxito (y calidad) de “Los Otros” propicio que salieran meloterrores hasta debajo de las piedras y títulos horribles como “Nos Miran”, “La Biblia Negra” o “El Refugio del Mal” tuvieron cabida en nuestras carteleras. “Los Abandonados” de Nacho Cerda es el ultimo ejemplo de este moribundo genero. Vease: Una productora norteamericana vuelve a su tierra natal, Rusia, en busca de sus raices para descubrir que como en casa en ninguna parte. Mucha fotografia azul obra del genial Xavi Jiménez (que vale para otras muchas cosas, por cierto) y un cuidado diseño de producción y sonido que no acaban de dar redondez a la película.
Nacho Cerda ha recorrido un largo camino desde su epatante corto “Alter Math” (no apto para cardiacos) hasta ver finalizada y en la gran pantalla su opera prima. Para la que ha contado en la ayuda del guión con nada más y nada menos que las figuras de culto Richard Stanley y Karem Hussain. Y la verdad es que “Los Abandonados” tiene momentos muy potentes que se ven perjudicados por una actriz protagonista (que sin ser mala) no dice absolutamente nada. Si la actriz que sale practicamante en cada plano no es capaz de que nos emocionemos con ella, ni que sintamos su miedo, la cosa esta muy jodida para que funcione y es una pena. Ya digo que todos los demás aspectos estan muy trabajados pero es precisamente en el guión y la actuación donde flojea la cosa. Y eso que el tema de los doppelgangers (o dobles) es uno de los menos explorados por el cine fantastico y más interesantes. ¿Qué harias si te encontraras con tu doble y este quisiera quitarte de en medio?. Lo más razonable sería atizarle con todo lo que tengamos a mano. Error. Por que todo lo que le hagas a él, tambien lo vas a sufrir tu. Ese es precisamente uno de los mejores momentos de “Los Abandanodos”, cuando abandona el meloterror y se convierte en una pelí de terror de las duras. El problema es que ya es demasiado tarde el espectador ya se ha dado por vencido.
-A Scanner Darkly: Se trata de una rareza, un experimento que ya va siéndolo menos. Me explico: rodar una película con actores reales y convertirlos a todos y a cuanto los rodean en dibujos animados mediante la rotoscopia no es la primera vez que se hace, ya lo usaron Richard Linklater para la aburridísima “Waking life” y Lars von Trier para una de las partes de sus magníficas “Cinco condiciones” Ahora el primero de los directores citados estrena su segunda cinta de animación por este proceso y lo cierto es que el resultado es fascinante a ese nivel, al de la animación, ya que aparte de que queda muy bien el conjunto en sí, no cansa la vista, como en principio se pueda pensar. Pero no convence a los demás niveles. Ni los actores (Keanu Reeves, Winona Ryder o Woody Harrelson, que podían haber sido dibujados directamente, a lo “Los Simpson”) ni el guión, que pese a que intenta contar la historia de un policía –Keanu- que se hace pasar por camello para llegar al núcleo de una red de narcóticos, uno se pierde en medio de tanta palabrería extraña, tanto concepto raro y tanta pretensión de querer hablar de las dificultades en que en un futuro no muy lejano se va a ver envuelta la humanidad debido al aislamiento al que nos someten tanto las drogas como las nuevas tecnologías que, en apariencia, nos unen y nos mantiene continuamente informados. En una palabra: la novela de Phillip K. Dick en la que se basa tiene que ser, por mucha paranoia que el escritor incluya en sus páginas, una obra bastante más comprensible y cercana.
-Behind The Mask: The Rise of Leslie Vernom
-Brick.
-Ellos: Fue una de las primeras películas proyectadas en el festival y parece que no debió verse mucho, ya que no se hablaba de ella, pero seguro que quien la viera la mantendría en la memoria porque no se suelen estrenar muchas que perteneciendo al género del terror lo den de verdad. Sí, da miedo, mucho y con nada. No hay efectos especiales, no hay un abuso de efectos de sonido innecesario (los hay, pero no son gratuitos) y lo que hay es un talento enorme por parte de sus creadores para contar una historia real de una pareja que vive feliz en una casa de campo y que una noche es despertada por unos ruidos, una música que la despierta a ella y nos encoge a los demás el corazón.

¿Quién es? ¿Quién pone la música? ¿O quiénes? Cuando lo descubramos vamos a quedarnos en el asiento y cuando la película termine la habremos colocado entre las mejores del año y de muchas que hemos visto de siempre, porque, ya digo, con pocas hemos pasado tanto miedo, un miedo que viene de qué habrá cuando él acabe de recorrer ese pasillo al fondo del cual se oye un ruido que no queremos oír, un miedo que sientes porque nosotros también bajamos la escalera de la casa buscando el origen de eso que no nos ha dejado dormir. Un miedo, en definitiva, que viene de la espléndida dirección de dos amigos, David Moreau y Xavier Palud, que realizan su primera película juntos y en el caso del segundo, incluso su primera película.
El debut no puede ser más prometedor, ya que el conjunto de la cinta tiene claras reminiscencias de aquellos capítulos de la serie televisiva “Alfred Hitchcock presenta”, con el mismo suspense, con un ritmo que crece a cada plano y una atmósfera que te envuelve y no te suelta hasta que no comienzan a salir los créditos. Es entonces cuando descansamos y cuando hacemos recuento de las veces que no hemos mirado a la pantalla por lo que pudiéramos ver salir de esa o de la otra esquina de la casa. Yo admito que varias veces prefería mirar al suelo de la sala, y eso dice mucho de una película de terror en nuestros días.
-Dragon Tiger Gate: Uno de los últimos éxitos del cine de Hong Kong, protagonizada por el carismático Donnie Yen que además se encarga de hacer las coreografías. Única cosa que merece la pena de esta peli. Basada en un comic, DTG tiene un arranque genial con unas peleas brutales y mientras en la pantalla la gente de saltos, patadas y puñetazos la cosa es la mar de entretenida, pero en cuanto se pone seria y melodramática la cosa se estropea bastante. Ya sabemos que el guión no es uno de los puntos fuertes de este tipo de pelis pero en este caso la evidencia es sangrante.
-The Fountain
- Hijos de los hombres.
- El Laberinto del Fauno.
-Masters of Horror varios: También pudimos ver varios títulos de la serie “Masters of Horror” que compiten también en la sección oficial. “El fin del mundo en 35 mm”, lo mejor de Carpenter en muchos años sobre una película que cada vez que se proyecta provoca fatales consecuencias (como curiosidad decir que se supone que se proyecto por primera vez en el Festival de sitges en 1971, lo que provoco la euforia del respetable) y “Homecoming” del mítico director de “Gremlims” Joe Dante, una feroz y divertidísima parodia de las películas de zombies con el gobierno Bush y la guerra de Irak en su objetivo. Y fuera de competición el episodio del director más rapido y loco del mundo Takeshi Miike que fue retirado de la televisión por cable americana por su dureza. Y lo entiendo, si los que visteis “Audition” las torturas con agujas os parecieron extremas entonces es que no habéis visto “Imprint”. Os juro que tuve que taparme los ojos durante casi un minuto para no ver la pantalla.
-Moscow Zero: La otra rival de "La Silla" en cuanto a titulo a la peor película del Festival. La tercera película de Luna (AKA Maria Lidón) viene a demostrar lo que ya intuiamos hace tiempo, que la directora tiene tanto talento como culo, que para los que no habeis tenido la suerte de verla en persona os diremos que es más bien escaso. Luna consigue enredar a Val kilmer y Joaquin de Almeida para que se pasen dando vueltas por unos subterraneos durante noventa minutos en los que no pasa absolutamente nada, con unos efectos especiales que parecen hechos con Spectrum de 48 k y con un final predecible desde la primera escena. En su defensa diremos que la chica es muy mona y muy simpática.
Renaissance: Cinta francesa de animación que encandila durante sus primeros minutos con un blanco y negro deudor del “Sin City” de Frank Miller y una trama de ciencia Ficción a lo “Blade Runner” con la búsqueda de la eterna juventud y las luchas de poder de las grandes corporaciones de trasfondo. Por momentos da la sensación de estar viendo uno de esos comics de ciencia ficción tipo “Zona 84” o “Heavy Metal”, aunque esto solo es un espejismo. Ya que la investigación policial no consigue enganchar lo suficiente, y el director Christian Volckman sufre el clásico síntoma de concentrarse en la forma y perder de vista el contenido, llegando a hacerse pesada por momentos.
-"Scoop".
La Silla:... Que grande.... los hay que tener cuadrados para hacer algo así, exhibirlo en público, y además no mostrar ningún reparo en acudir a las presentaciones para hacer promoción de la misma (acompañado de productores, equipo artístico...). Sobran las palabras .
Sisters: Hacer un remake de una película de De Palma es algo arriesgado. Te expones a que te cierta gente te crucifique (muchos de los responsables de esta pagina por ejemplo) si te equivocas en tu cometido. El director Douglas Buck, cuyos anteriores cortos formaron la interesante "Family Exhibition" esta vez pierde la oportunidad de hacer una gran película y eso que cuenta con un buen reparto, en el cual destaca Chloe Sevigny, y consigue actualizar muchas de las situaciones de la original (internet y las webcams dan mucho juego) y enrarecer el ambiente bastante con un climax bien sangriento. Es una lastima que el suspense y la genialidad se hayan quedado por el camino.
-"Tideland".
Daniel Camblor, Julio C. Sánchez y Silvia García.

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miércoles, noviembre 01, 2006

Y una tira más...

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